Javier Victorero nace en Oviedo en 1967 aunque de niño se crio en la localidad pesquera de Burela (Lugo). Después de una breve etapa madrileña, recaló de nuevo en Oviedo con la familia materna, hecho que tendrá para él gran significación por la conexión emocional con su abuela, figura crucial que será, en cierto sentido, un pilar incondicional en sus anhelos creativos junto a su madre. Desde niño le atrajo el dibujo y la pintura. Esto dice sobre su primera acuarela: «Un cuadro relevante a nivel sentimental pintado a los doce años, tras el abandono forzado del pueblo de la niñez: un barco de pesca en negro sale de puerto despedido por un coro de gaviotas también negras…”. Pieza simbólica que evidencia la lucha y soledad espiritual que implica el acto de crear, soledad vivida y sentida que le acompañará toda su vida como un constituyente imprescindible. Mientras tanto, y en paralelo, probaba diferentes estudios que no le convencían ni hacían crecer como persona.

“Su formación es plenamente autodidacta, partiendo de lecturas diversas y variadas, visitando exposiciones, dialogando con artistas, recorriendo museos y probando de mil maneras posibles las más diversas técnicas y métodos de trabajo -recuerda el director de Arte y Exposiciones del ILC-. Al mismo tiempo, su presencia en el panorama artístico nacional y del Principado se produce de forma tardía (recordemos que es el momento histórico de los jóvenes creadores), en el sentido que muestran sus primeras pinturas hasta 1998, en una muestra colectiva de la Galería Dasto de Oviedo y de la Galería Sargadelos de Madrid. A partir de ese momento, su obra estará presente anualmente en múltiples premios, ferias y muestras colectivas que alcanzan algo más de ochenta convocatorias y unas veinte exposiciones individuales, recibiendo por parte de los críticos análisis elogiosos y certeros de su trabajo. Su obra se presentó a nivel internacional en Caracas (Venezuela), Múnich y Colonia (Alemania), Lisboa (Portugal) o Albuquerque (Nuevo México, EE UU) y está representada en colecciones destacadas de nuestro país”.

Inicialmente, la obra de Javier Victorero estaba vinculada a una reinterpretación de la abstracción informalista y a cierto impresionismo abstracto, territorios que posteriormente derivarían en otra realidad plástica, planteando nuevas formas de expresión mucho más controladas y contenidas, dejando de lado el sentido matérico y gestual. Así, y de una forma muy genérica, la obra que se presenta en esta muestra entroncaría con un tratamiento esencialmente geométrico de las formas, en el territorio genérico de la abstracción, e incluso se podría plantear un leve substrato o referencia en su origen, vinculado a las revisiones de movimientos y tendencias más puras de la abstracción geométrica, como el neoplasticismo, el arte cinético o el Op Art. De todos modos, su obra va más allá, introduciendo al espectador en espacios nuevos y renovadores con sello e identidad propia.

Su pintura, además, se estructura generalmente a partir de series que van generando y tensionando su propia producción a partir de un elemento o tema referencial; así, surgen de forma secuencial y natural, aunque en ocasiones superpuestas o concatenadas, diferentes series temáticas: ‘Casa para Nano’ (2011-2013), ‘Cantigas de Suso’ (2013-2017), ‘El sueño del jardinero’ (2015-2016), ‘En el jardín’ (2015-2018), ‘Florecer nocturno’ (2018-2020), ‘Fuga a tres voces o extraña flor’ (2019-2022), ‘Llama de amor viva’ (2021-2023), ‘Silencio iluminado’ (2021-2023) o ‘Vanitas’ (2023), entre otras.

“Una clave fundamental de su trabajo la encontramos en el propio título de la muestra. Así, ‘Jardín del corazón’ remite al cuidado, el mimo, el esfuerzo y el profundo conocimiento y amor del jardinero en relación a su obra magistral. El jardín es un hecho único e identitario, constituido por diferentes elementos vivos que se interrelacionan entre sí generando una unidad o conjunto pleno de sentido -reflexiona Luis García-. En realidad, nos encontramos ante este hecho: un creador, Javier Victorero, que mima con entusiasmo militante sus pinturas, piezas que se alejan de la frialdad, la distancia y la estructuración plenamente racional de una abstracción geométrica purista. Sus composiciones limpias, precisas y estructuradas se cargan de una vitalidad interior y energía espiritual, mostrando una sutil pero evidente carga poética que se desliza entre las delicadas y armónicas relaciones de color, generando, a la vez, una cierta sinestesia musical que nos puede evocar la imagen infantil de Javier en el salón de su casa de Oviedo escuchando a su madre tocar el piano”.

Títulos, series y contenidos

Pero el título de las series no es menos clarificador. En ‘Casa para Nano’ (2011-2013) nos descubre su afectividad interior, su amor por los animales. Nano era su perro de aguas, compañero de soledades durante doce años en Oviedo, Viavélez y Gijón. Javier indica: «Al morir, sentí que mi instinto ‘paternal’ o de protección no tenía destinatario y necesité pintar esas ‘Casa para Nano’ porque así le enviaba esa protección cálida al espacio imaginario allí donde estuviese. No terminaba de asimilar su ausencia». En estas pinturas surgen el sentimiento y la afectividad, alejándose de nuevo de la esquemática frialdad matemática y geométrica. Son pinturas cálidas y acogedoras, que sugieren simbólicamente el recogimiento del hogar por medio de unas composiciones que nos trasladan al interior y que nos acogen en este espacio emocional. ‘Cantigas de Suso’ (2013-2017), por su parte, rememora la historia pasada, la cultura esencial, a lo espiritual por medio del canto y la palabra; surge de nuevo el ser humano como protagonista principal, a pesar de no estar representado. ‘El sueño del jardinero’ (2015-2016) se podría definir como un autoanálisis reflexivo y crítico. Ese espacio complejo, abigarrado, difícil, de cruces de caminos que conducen al autor a mil experiencias creativas pero que también supone, al mismo tiempo, un anhelo, una quimera, una esperanza del encuentro de otras realidades plásticas. ‘En el jardín’ (2015-2018), Javier Victorero nos sitúa en un espacio pleno de luminosidad, de intensidad cromática, de vida, ilusión y energía, en donde la ordenación de elementos dota de una gran movilidad y dinamismo a la composición, permitiendo la apertura de la obra con la proyección al exterior de algunos de sus componentes. En esta serie, la pieza ‘En el jardín VI’ propone un interesante diálogo espacial entre la propia pieza, que está integrada por dos lienzos unidos asimétricamente, y el muro pared. Así se genera una fusión de elementos (muro-pieza) en la percepción visual de la obra, potenciando más, si cabe, el dinamismo y energía, al tiempo que la obra queda vinculada al territorio instalativo. La relación con la religiosidad poética y la mística se refleja en su serie dedicada a San Juan de la Cruz, ‘Llama de amor viva’ (2021-2023). En estas piezas emerge una cierta representación formal, evocada por la estructuración geométrica de la llama, y surge con intensidad el elemento simbólico, resaltando la soledad y elevación espiritual por medio del color. En ‘Fuga a tres voces o extraña flor’ (2019-2022) reitera su interés por la música, generando unas composiciones sinestésicas por medio de la utilización de sutiles degradaciones tonales, aportación de tensiones cromáticas de color y la distribución de tres campos de ordenación compositiva que se relacionan entre sí. ‘Silencio iluminado’ (2021-2023) es una serie donde vuelve a surgir la articulación de varias piezas y la integración del muro, así como la reflexión de una cierta presencia instalativa. Se trata de piezas complejas en la creación de nuevas perspectivas y articulaciones geométricas, donde el espacio se genera y rompe al mismo tiempo, potenciando al máximo un diálogo de contrastes que desemboca en una profunda tensión interior. No podía faltar el homenaje a los clásicos y a la pintura en sí misma, al origen del hombre creador, por medio de la serie ‘Vanitas’ (2023), que una vez más recuerda lo efímero del ser humano por medio de ese túnel blanco que nos conduce a la muerte y al silencio.

La muestra es una síntesis de las tres grandes pasiones de este polifacético artista: los viajes, el rugby y el rock ‘n’ roll, el retrato de toda una forma de entender la vida. Olaf Pla Gracia pertenece a una gran estirpe de fotógrafos leoneses que arrancó a finales del siglo XIX con su bisabuelo Germán y que continuó con su abuelo Pepe y su madre Belita

Exposición: ‘Rockers, un estrépito, un rugir’

Dónde: podrá contemplarse en el Centro Leonés de Arte (CLA) de la avenida Independencia, 18, León.

Hasta: el próximo 8 de junio

Horario: de martes a viernes de 17.00 a 20.00; sábados de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00; domingos y festivos de 11.00 a 14.00.

Visitas guiadas: para grupos en el teléfono de contacto 987 262 423.

Chaquetas de cuero, tupés, humo, gasolina y, sobre todo, mucho rock ‘n’ roll. El Centro Leonés de Arte (CLA) que gestiona el ILC se ha llenado de música y actitud gracias a la exposición fotográfica ‘Rockers, un estrépito, un rugir’, del fotógrafo, músico, escritor y viajero Olaf Pla, heredero de la célebre saga leonesa de los Gracia.

En concreto, la exposición reúne 52 fotografías en blanco y negro tomadas por el propio Olaf, junto con un valioso archivo familiar que incluye obras de sus antepasados: tres piezas de Germán Gracia, cinco de Pepe Gracia y cuatro de Belita Gracia. Este recorrido no solo muestra la evolución de una saga de fotógrafos leoneses, sino también cómo la mirada se hereda.

Pero hay más: la muestra también recoge documentos, negativos, positivos e incluso una de las cámaras que Olaf utilizó en sus proyectos musicales con Los Insolventes y Olaf y Los Bidones. Estos objetos ayudan a entender su mundo creativo, donde la fotografía y la música se entrelazan.

Como broche final, se proyecta una entrevista íntima realizada por Vicente García, en la que Olaf habla sin filtros de su vida, su obra y sus obsesiones artísticas. Un documento que acerca al público al hombre detrás de las imágenes.

La estirpe de los Gracia: fotografía en la sangre

Olaf Pla Gracia (León, 1962) no llegó a la fotografía por casualidad. Viene de una familia en la que las imágenes eran algo más que un oficio: eran una forma de entender el mundo. Su bisabuelo, Miguel Germán Gracia Pascual, fue un pintor y fotógrafo formado junto a Sorolla que se instaló en León en 1887. Allí retrató la esencia de los rostros leoneses con un estilo cercano al pictorialismo.

Su hijo, Pepe Gracia, continuó el legado, convirtiéndose en la memoria gráfica de León. En el estudio familiar trabajaban todos: su esposa Isabel y sus hijos Pipo, Belita, Ninfa y Rosa. Belita, madre de Olaf, mantuvo viva esa tradición desde el ámbito amateur, pero con una mirada rebelde: sus collages de los ochenta mezclaban documentalismo con denuncia feminista, un gesto revolucionario para la época.

Olaf creció entre cámaras y químicos de revelado, fascinado por el ambiente del estudio. Aunque su obra se enmarca en la fotografía documental, va más allá: India Kushti, Sudor y Arena (sobre la lucha tradicional india) o sus series de rugby (una pasión heredada de su padre, Manuel, pionero de este deporte en León) demuestran que, para él, la cámara es también un instrumento artístico.

Rockers, un estrépito, un rugir: motos, rock y libertad

Esta exposición se sumerge en sus dos grandes pasiones: el rock and roll y las motos. Cincuenta imágenes en blanco y negro capturan la esencia de esta subcultura en festivales de Memphis, Tokio, Las Vegas o Barcelona. Son instantáneas que hablan de amistad, libertad y una estética cruda, potente, tan salvaje como la música que las inspira.

Olaf trabaja el blanco y negro con contrastes profundos, usando diagonales y espacios abiertos que obligan al espectador a imaginar lo que queda fuera del encuadre. El resultado es un testimonio vibrante, donde lo documental se funde con una visión personalísima. Una muestra que, en definitiva, celebra la obra de un artista que lleva la fotografía en las venas.